{"id":10103,"date":"2006-12-06T12:00:00","date_gmt":"2006-12-06T12:00:00","guid":{"rendered":"http:\/\/www.digicult.it\/digimag\/issue-020\/motus-essential-return\/"},"modified":"2020-10-23T10:54:46","modified_gmt":"2020-10-23T09:54:46","slug":"motus-essential-return","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/digicult.it\/it\/digimag\/issue-020\/motus-essential-return\/","title":{"rendered":"Motus. Ritorno Essenziale"},"content":{"rendered":"\n

Il Teatro Maddalene <\/span> di Padova, all’interno della rassegna Contrappunti 06- 07<\/span>, ha ospitato lo scorso 24 novembre il nuovo spettacolo videoperformativo dei Motus , A place [that again]<\/span> , pi\u00e8ce diretta da Daniela Nicol\u00f2 <\/span>ed Enrico Casagrande <\/span>tratta da All strange away <\/em>di Samuel Beckett. <\/span><\/p>\n

Occasione unica per riassaporare un ritorno, una tranquilla degustazione scenica, corporea e visiva ridotta ai minimi termini, senza particolari dispositivi trascendenziali, niente parola, niente interazione, niente luogo come eccesso installativo. Lo spettacolo \u00e8 il tentativo di descrivere l’anticamera dell’attesa della morte, una riflessione sulla rappresentazione, una descrizione dell’inesistente. Si indaga il rapporto fra attore e piano bidimensionale illuminati solamente di luce bianca. Uno schermo bianco e una teca trasparente al centro del palco sono i presupposti della performance silenziosa e raffinata, simultanea e poetica, in cui due attori giovanissimi abitano il loro tempo fra movimenti sensuali ed eccessi erotici.<\/p>\n

L’accento \u00e8 messo sulla lentezza dell’azione, sull’essenzialit\u00e0 umana, su questo gioco di sguardi e segni, di entrate e uscite, di neri e bianchi, di carni. E poi ancora disegni con i pennarelli e sfilate in sincronia alternate a godimenti malinconici. Contenitore invisibile. Ed ecco il senso della vita solitaria, imprigionata, immobilizzata. Luce nera, bianco, ancora luce, buio. Parole infinite che escono dal video e scorrono nel video, la societ\u00e0 dello spettacolo ci si presenta senza pi\u00f9 significati fino alla nostra fine. Montaggio, suoni, geometrie che delimitano. Cosi come \u00e8, senza veli ne artefatti, immediatezza e ossessione.<\/p>\n\n\n\n
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Motus <\/span>torna a lavorare su Beckett dopo dieci anni: risale infatti al 1994-95 lo spettacolo che ha coalizzato la compagnia rendendola capace di abitare-trasformare luoghi non teatrali con delle vere e proprie “invasioni” artistiche, ovvero L’occhio belva<\/span> . Gi\u00e0 il titolo dello spettacolo deriva da una definizione beckettiana, quella che usa per nominare la camera da presa\u0085 e lo spettacolo tutto ruotava attorno a questa ossessione per lo sguardo, anche se i principali riferimenti erano Quad e lo Spopolatore . L’ Occhio Belva \u00e8 stato un grande atto d’amore per le liriche visive di Beckett, per il periodo “bianco”, fatto di “atti senza parole”.<\/p>\n

“Azione. Un luogo, ancora quello. Mai un’altra domanda. Un luogo, poi qualcuno, ancora quello. Di nuovo Beckett dopo 15 anni per Ripartire da l\u00ec . Pick it up. Ancora le sue scarne parole che ci perseguitano come quella luce abbagliante che invade e folgora. Ovunque. Never see, never find, no end, no matter . Ancora quello spazio vuoto. Bianco. Assoluto. Dove tutto si vede. In cui tutto precipita. Senza alternative. All strange away. Diabolico tentativo di\u00a0 fermare il tempo, di dilatare l’istante del trapasso, definitivo, verso il momento in cui\u00a0 “nessun rumore di respiro \u00e8 percepibile”. Immagina gli occhi bruciati azzurro cenere e le ciglia scomparse. Solo carne silenziosa. Mangiata dallo sguardo. Occhio belva . Che cerca negli angoli senz’ombra. La cinepresa filma indaga entra nelle pieghe della pelle. Con rigore scientifico. Espone. Cos\u00ec \u00e8 la morte, o meglio, la caduta secondo Beckett. Precipitare all’inferno dove l’immaginazione muore. Non c’\u00e8 pi\u00f9 visione? O forse il vedere inizia da l\u00ec? Stop. Ora decidiamo di tornare su quelle linee – nello spazio di ci\u00f2 che \u00e8 gi\u00e0 stato – come un\u00a0 viaggio d’Orfeo – sapendo di rischiare – sapendo che potremmo\u00a0 vedere il dissolvimento – il nulla – ci proviamo non cercando il possesso – per lavorare sul Beckett non-teatrale, cos\u00ec essenziale e depurato, occorre essere posseduti.\u00a0 Entriamo di nuovo nelle straordinarie descrizioni di una “dimora per corpi” geometrica fatta di linee e lettere all’interno della quale i corpi si muovono appena, in attesa di una fine che tarda ad arrivare\u0085 dove l’ Imagination va immaginata morta e l’ unico assoluto \u00e8 il tempo che scorre.\u00a0 L’ unico modo per sottrarsi al flusso temporale \u00e8 – (come avrebbe detto Murphy)- ” andar via da s\u00e8 ” – sedersi su una sedia dondolo e dondolare – rannicchiarsi all’ ombra di una pietra – come Belaqua – l’ indolente del Purgatorio\u00a0 dantesco – o lasciarsi abbagliare dalla luce esponendo ogni angolo del proprio corpo a una cinepresa che indaga senza piet\u00e0. Cos\u00ec \u00e8 All strange away , la composizione “pornografica” di Samuel Beckett , che non prelude ad alcun paradiso , “…..dove la colpa consiste nel non sapere quale e la pena nel\u00a0 continuare a cercarla…” . L’attore \u00e8 ridotto ai minimi termini, esposto sotto una luce accecante cos\u00ec “Come \u00e8”. Via ogni egocentrismo – via ogni ornamento – ogni inutile parola – solo Occhio e Oggetto. Ecco, l’ Immagine \u00e8 Fatta, ora… ”\u00a0 trovi un senso chi pu\u00f2” .” (testi di Motus)<\/p>\n\n\n\n
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La collaborazione tra Enrico Casagrande e Daniela Nicol\u00f2<\/span>, fondatori e direttori artistici della compagnia, inizia nel 1990 e si concretizza nella produzione di Stati d’Assedio <\/span>, primo lavoro indipendente, ispirato all’omonimo testo di Albert Camus. Il nome attuale della compagnia risale per\u00f2 all’anno successivo, anno in cui il gruppo inizia ad occuparsi di Samuel Becket, un autore che Motus esplorer\u00e0 in diversi spettacoli e che fa sentire distintamente la propria eco anche nelle ultime performances. A Becket si ispirano Strada Principale <\/em> e Strade Secondarie<\/em><\/span> (1991 \u0096 il cui nome deriva da un’opera di Paul Klee), Ri-partire da l\u00ec <\/span>(1992), infine L’occhio Belva <\/span> (1995) su cui viene elaborato anche il video omonimo.<\/p>\n

Lo spettacolo debutta all’ Interzona<\/span> di Verona all’interno di una cella frigorifera 70 m x 30 in metallo che lo spettatore \u00e8 costretto ad attraversare in un percorso itinerante, tra installazioni sonore e visive. Solo allucinazioni riempiono lo spazio freddo, svuotato, dove le ossessioni di ognuno trovano rimbombo. In questo “purgatorio becketiano” l’occhio si muove alla ricerca di una memoria, infine di un senso che probabilmente non riuscir\u00e0 mai a toccare. Svuotamento, attesa, desolazione sono temi che in Becket e in altri autori hanno nutrito il percorso di Motus . Nel 1994, la casa della compagnia ospita lo spettacolo itinerante Cassandra. Interrogazioni sulla necessit\u00e0 dello sguardo <\/span>(1994), ispirato a Cassandra di Krista Wolf.<\/p>\n\n\n\n
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Dedicato invece a J. G. Ballard<\/span>, autore di fantascienza, \u00e8 lo spettacolo Catrame <\/span>(1995), interamente ambientato all’interno di una scatola di plexiglas trasparente di 8×3 m. In questa messa in scena “Il rapporto con lo spazio \u00e8 sconvolto rispetto a tutti i precedenti lavori, il campo operativo del corpo \u00e8 chiuso, separato dall’ambiente esterno da tutti i lati, una sorta di cella d’isolamento, sterilizzata, un sottovuoto, come sottovuoto \u00e8 la percezione continua che abbiamo del mondo, dall’abitacolo dell’automobile allo schermo televisivo” <\/em>. Nel 1997, Motus si cimenta in Orlando Furioso impunemente eseguito da MOTUS <\/span>, spettacolo in sei tracce che “sventra” il poema di Ariosto per strapparne i nodi profondi e riprodurli nell’esecuzione scenica.<\/p>\n

Non si tratta di “rappresentare” l’Orlando furioso con le sue battaglie e i suoi amori, ma di “eseguirlo”. Sono due le cose che interessano Motus : la struttura circolare e labirintica dell’opera, e, parallelamente, l’ossessione feticista di Orlando per Angelica. Si tratta in fondo di due ossessioni gemelle, una sul piano del linguaggio l’altra sul piano del contenuto, che fanno eco a un’analoga ossessione, quella del teatro alla continua ricerca di uno sguardo e di una carne vera; “facciamo una croce sulla rappresentazione, per scavare in profondo, per fare uscire sangue e mettere a nudo la vergogna…” <\/em>.<\/p>\n\n\n\n
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Ampio e impegnativo \u00e8 il Progetto Rooms <\/span>, che prende il via da un viaggio di Enrico e Daniela nei deserti dell’ Arizona e del Nevada, e che procurer\u00e0 alla compagnia il terzo dei Premio Speciale Ubu <\/span>per ” il gioco di sdoppiamento delle immagini e del racconto nell’evoluzione del Progetto Rooms” . Il lavoro si realizza in pi\u00f9 tappe: Vancancy Room <\/em>(2001), a sua volta work-in-progress , e Twin Room <\/em>(2002). A Jean Genet si ispira Splendid’s <\/span>(2002), ma i due autori che pi\u00f9 hanno segnato l’ultima produzione di Motus sono Pasolini e Fassbinder.<\/p>\n

A Pasolini \u00e8 dedicato il progetto L’Ospite<\/span> , di cui fanno parte L’Ospite <\/em>(2003), ispirato al film Teorema, e Come un cane senza padrone <\/span>(2004), tratto da Petrolio. La solitudine dell’uomo contemporaneo, la desolazione dei terrains vagues delle moderne periferie dove il grido rimbomba inumano e infine cade nel vuoto, inascoltato; questi sono i temi che intessono il dialogo tra Motus e Pasolini. Lo squallore della vita borghese, fatta di procedure standardizzate e di scenari asettici, \u00e8 il punto pi\u00f9 distante dalla vita reale, \u00e8 terrain vague, ormai completamente desemantizzato; l’urlo dell’artista si alza da questo deserto per scuoterlo, \u00e8 un urlo che si eleva direttamente dalla carne e si fa cos\u00ec inumano, nel tentativo di rilanciare la significazione dal principio.<\/p>\n

A testi, opere e film di Fassbinder \u00e8 invece dedicato il nuovo progetto, inaugurato nella primavera del 2005 e che delinea due sentieri di ricerca. Il primo sentiero approfondisce il tema del potere e dell’intolleranza, e trova realizzazione in Pre-paradise Sorry Now ( Piccoli Episodi di Fascismo Quotidiano)<\/span>, dal nome del testo di Fassbinder. Il secondo percorso riprende le atmosfere melodrammatiche di Le lacrime amare di Petra Von Kant, Marta , Un anno con tredici lune , e si ricompone nelle messa in scena di Rumore Rosa <\/span>(2006).<\/p>\n

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www.motusonline.com<\/a><\/p>\n\n<\/span>","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

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